Marina Abramovitš: Kaasaegse kunsti kivimägi

Homme tähistab Marina Abramovitši 70. aastapäeva - üks kõige mõjukamaid kaasaegse kunsti inimesi, kes sai elavaks klassikaks juba ammu enne kui nad hakkasid teda nimetama "etenduse vanaema". Juba rohkem kui nelikümmend aastat on Abramovitš uurinud oma füüsiliste ja vaimsete võimete piire - rääkides temast, on kerge lüüa patosse ja pimedasse austamisse. Aga teades veidi rohkem oma elust, ei ole raske mõista, et julgete ja sageli šokeerivate etenduste taga on elav naine lihasest ja verest, kes on kaugel ebakindlast Jugoslaavia teismest kaugel tarkast täiskasvanust, kes on lõpuks leidnud harmoonia iseendaga.

"Kas sa tead, mis on huvitav? Alguses arvavad nad 40 aastat, et sa oled hull, et sa pead olema koheldud, ja siis sa saad tunnustuse. Sa pead kulutama palju aega, et seda tõsiselt võtta," ütles Abramovitš naeratusega, enne kui ta avas oma epohhilise retrospektiivi MoMA-s. Kõik need, kes isiklikult kunstnikuga suhtlesid, märgivad, kui lihtne ja meeldivalt tundub tema ettevõttes: on raske uskuda, et inimene, kes on nii keha ja vaimu nii karm, võib olla nii rõõmsameelne ja lihtne rääkida. Kui enne filmi „Kunstniku juuresolekul” oli Abramovitš lihtsalt väga kuulus, on ta nüüd rocki staar, mis on sõna otseses mõttes elav ikoon, mida austavad isegi inimesed, kes pole kaugeltki kaasaegsest kunstist. Kunstnik kutsub tahtlikult ennast näituse “vanaema” ja tunnistab, et talle meeldib kuulsuse staatus - ju kõik, mida Abramovitš kunagi tegi, põhines energiavahetusel avalikkusega, ilma milleta ei ole see võimatu ning laialt levinud tunnustamine on märk sellest, et kogu tema töö polnud asjata.

Marina Abramovitši lapsepõlve ei saa vaevalt nimetada tavaliseks: tema vanemad, Voio ja Danitsa, on Jugoslaavia partisaanid, kes kohtusid sõja ajal ja pärast selle lõppu said rahvuslikud kangelased. Abramovitšide perekonna elu, millel oli suur korter, kuulsad sõbrad, auastmed ja privileegid riigist, ei olnud nagu teiste jugoslaavia perede elu. Vaatamata välisele heaolule tundus Marina pidevalt üksildane: revolutsiooni muuseumi juhtinud ahtri ema kartis neid lapsi hellitada, et ta ei võtnud neid kunagi vastu, ja isegi pärast lahutust hoidis ta tavapärast armee korraldust majas. Samal ajal oli Danitsa ise kunstist huvitatud ja toetanud tütre soovi neid harjutada, kuid oma ideedes oli loomingulisus absurdsel moel koos vanemliku kontrolliga.

„Ma ei saanud koju lahkuda pärast kella kümnendat õhtust kuni 29. aastani,“ ütleb Abramovitš. „Ma tegin kõik etendused Jugoslaavias kuni kella kümneni õhtul, sest see pidi olema sel ajal. piitsutamine, põletamine, mis võis mu elu ära võtta - kõik toimus kuni kümneni õhtul. " Tema kasvatus on kummaline kommunismi kokteil, millele kristluse ja Balkani kultuuri vanemad olid ustavad, millest tüdruk sai idee tänu pühendunud ja väga armastavale vanaemale. Seda peegeldas 1975. aastal läbi viidud ja 2002. aastal kordunud "Lips of Thomas" autobiograafiline esitus, Abramovitš sõi ühe kilogrammi mett avalikkuse ees, jootas ühe liitri veini, purustas pudeli, lõi viiest teravast tärnist kõhule ja seejärel püsti jäisel ristil .

← Performance "Rhythm 0"

Abramovitši esimene esitus, Rhythm 10, oli inspireeritud Vene vangla mängust noaga. Kunstnik võttis kordamööda ühe oma kahekümnendast noast ja võttis selle kiiresti oma sõrmede vahele, vahetades nuga iga lõigu järel ja alustas seejärel jälle, tehes kärpeid samades kohtades, kus ta viimast korda komistas. korrake ikka ja jälle. Siis oli kunstnik veendunud, et ta ei vaja mingeid muid vahendeid peale oma keha ja ebatavaline kontakt, mis on loodud kunstniku ja avalikkuse vahel, vaadates teda siin ja praegu on kõige ausam dialoog, mida te kujutate ette.

„Vaatajate silme ees ma ei karda end vana, rasva, kole, ma võin ohutult lahti riietuda - sest ainult keha on oluline vahend, vaid jõudluse mõiste,” selgitab Abramovitš. Kodus, punase vaipaga või voodis koos mehega võib ta tunda kole ja ebamugavust, häbeneda oma nina või rindkere eest, kuid sellel ei ole midagi pistmist alastusega etenduse ajal.

Oma kunsti loomise protsessis oli Abramovitš ebatavaliselt püsiv, kuid kärped, mida ta ise esineeriva transsi ajal endale pani, võttis "maine", mitte nii kartmatu jahisadam. Mõned tegevused ei osutunud tema jaoks mitte vähem šokeerivateks kui avalikkusele: Abramovitš ütles, et pärast kurikuulsa "Rhythm 0" esinemist tuli ta koju täiesti laastavalt ja leidis hallide juuste osa. Aga pärast seda, kui lõikusid tervendati ja mõtlesin, mis juhtus, jätkas Abramovitš endiselt oma stootiliselt testimist. Tema jaoks ei ole raske luua publikuga kokkupuutumist lihtsalt laval seisva ja rahvahulga rääkimisega (nagu näiteks lühikese TEDi esinemisega), kuid kunstnikuna vajab ta erilist ja sügavat dialoogi publikuga: Abramovitšile on etendus rituaal, kus keha, mis aktsepteerib teatud asend või toimingute tegemine, räägib surmast, usaldusest, puhastamisest, rahust ja meele tugevusest. Kunstnik selgitab, et lavastuse käigus muutub ta teiseks isikuks, keda toidab avalikkuse energia ja tajub valu täiesti erinevalt kui tavalises elus.

Ta näljas, peksis ennast ripsmega, jooksis jooksuga seina, kuid tegelikult polnud kunagi enesehävitamise võimalust - Abramovitš teeb nalja sellest, et ta ei olnud kunagi "boheemlane" kunstnik, kellel ei olnud probleeme narkootikumide või alkoholiga, ja nüüd elab ta väga lihtne ja isegi igav. Abramovitši keha on alati olnud "vaimse arengu lähtepunktiks" - vahend, mis on vajalik inimeste võimete esoteeriliseks uurimiseks. Olles valinud oma keha peamiseks teemaks ja meediaks, tõi Abramovitš žanri uuele tasemele: vaadates, kuidas Marina paneb end erinevatesse väljakutsetesse ja näeb tema palja keha, verd ja pisaraid, puudutab vaataja (mõnikord sõna otseses mõttes) selliseid keerulisi teemasid nagu isiklikud piirid , vastuvõtmine ja usaldus, moraalne ja füüsiline vastupidavus, elu nõrkus ja surma vältimatus.

↑ Performance "Rhythm 5"

Põhimõte, et Abramovitš järgis kogu oma elu, oli tuua kõik piirini, nii et see oleks riskantne tulemus või tormine romantika. Kolm minutit pärast etenduse "Rhythm 4" algust, mis oli suunatud tema näole suunatud õhuvooluga, minestas Abramovitš "Rütmis 5", et publik tõmbas kunstniku tulise kontuurina tähe kujul, kuna ta kaotas hapniku puudumise tõttu teadvuse . Marina oli oma liha suhtes alati halastamatu ja ilmus sageli alasti, kuid ühe tema kõige intensiivsema ja riskantsema etenduse ajal oli ta täielikult riietatud, vaevu liikumas ja mitte valu - vähemalt füüsilise. Kõne "Puhkuse energia" - neli lõpmatu minutit, mille jooksul kunstnik ise hoiab vööri, ja tema armastatud Uli - tema südame suunas suunatud nool.

Marina kohtus 1976. aastal Amsterdamis Ulaemiga ja kaheteistkümne aasta jooksul olid nad lahutamatud - mõlemad kirjeldavad oma liitu kui täielikku ühinemist, lõputut usaldust ja lahkumist üksteisega, ühte mõtlemist ja kahte kunstiga. Tänu nende sümbiootilistele suhetele lõid Abramovitš ja Ulay suhtedevaheliste läbitungivate etappide sarja: nad hüüdsid, et seal oli uriin, kukkus üksteisesse, kontrollides, kas nende kehad võiksid üheks liituda, testida nende kannatlikkust, istuda liikumatult seotud juustega ja sõna otseses mõttes hingates üksteist kuni hapniku lõppemiseni. Pärast kaksteist aastat kestnud intensiivseid ja keerulisi suhteid muutsid kunstnikud oma lahkumist esituseks - pühalikuks ja kurvaks rituaaliks: Marina ja Ulay läksid Hiina Suure müüri vastastest otstest ja sõitsid kaks ja pool tuhat kilomeetrit enne kohtumist keskel, omaks ja lahkusid.

Selles suhetes oli palju valu. Kui üleloomulikud kunstnikud lõid oma võimsaid etendusi, vandusid kunstnikud - tavalised mehed ja naised, üksteist pahane, isikliku ruumi, raha ja armukadeduse puudumise all. Kuigi pärast purunemist kohtusid Ulai ja Marina rohkem kui üks kord ning nende "kokkutulek" oli üks näituse "Kunstniku juuresolekul" üks tähtsamaid esemeid, ei ole endiste armastajate suhe üldse nii ülev kui idee nende täiuslik hüvastijätt Hiina suurimas müüris: hiljuti kaebas Ulay kohtusse Abramovitšil on kakssada viiskümmend tuhat eurot, süüdistades teda ebaseaduslikult nende ühiste teoste kasutamisest.

Kunstnik ei kata oma elu intiimseid detaile koos, kuid mõnede märkuste puhul on selge, et Ulay kontrollis kõiki rahalisi ja organisatsioonilisi küsimusi, jättes oma kaaslase "talus": Ulay nõustus galeriiomanikega, Marina silmkoelised kampsunid müügiks, et kunstnikud ei nälga. Abramovitš ise ütleb, et juba mitu aastat oli ta täiesti õnnelik, kuid aja jooksul muutus suhe keerulisemaks: see, mida algselt tajuti absoluutse vastastikuse mõistmise ja ühise maailmavaadetena, muutus valusaks sõltuvuseks, millest mõlemad kannatasid. Etendust Hiina Suurseinaga peeti pulmatseremooniaks, kuid pärast mitut aastat valmistumist otsustasid kunstnikud, et neil on aeg lahkuda ja mitte abielluda. Reisi alguseks oli Abramovitš teada saanud, et nende hiina keele tõlk oli Ulai poolt rase.

← "Kunstniku elu manifest"

Reetmise valu andis kunstnikule tagasi "tavalise naise", keda ta ei armastanud - ta tundis nõrk ja laastunud, "kole, rasva ja soovimatu." Aga kui Marina - tavaline inimene oli segaduses ja kurb, siis tema kunstnik muutus veelgi tugevamaks. "Kui ma tunnen end nii halbana, pean ma tegema midagi, mis on mulle kõige vastikam," ütles Abramovitš ise ja otsustas proovida ennast teatri juures, mida ta alati põlguse ja allutamise eest põlastas. Suhted Ulai ja tema abikaasade Nesha Paripovitši ja Paolo Kanevari vahel muutusid õppetundiks, mida Marina lühidalt ja irooniliselt kajastas tema “Kunstniku elu manifestis” - reeglitega, mida Abramovitš soovib järgida, kui olete tõsiselt tegelenud kunstiga. Jaotis "Artisti suhtumine armastusse" koosneb kolmest punktist:

1. Kunstnik ei peaks armastama teist kunstnikku.

2. Kunstnik ei peaks armastama teist kunstnikku.

3. Kunstnik ei peaks armastama teist kunstnikku.

Kui Reddit kasutajad Abramovitšilt küsisid, miks see nii oli, vastas ta: "Ma tegin seda kolm korda oma elus ja iga kord, kui see kõik lõppes mu murtud südamega. Kohtun seda oma kogemusest. See on väga konkurentsivõimeline olukord, mida on raske kirjeldada kahes sõnaga Ja see on teema pikaks vestluseks. Parem on vaadelda kunstnikke, kes elasid koos (nii minevikus kui ka praegu) ja mõista, kui traagiline kõik nendega juhtus. "

Abramovitši üks raskemaid etendusi oli "Ookeanivaatega maja" - kunstnik veetis 12 päeva ilma toiduta kolmel platvormil, "toad", mida publik pidevalt jälgis. Pärast ammendumisest põhjustatud haigust otsustas Abramovitš ajutiselt oma okupatsiooni muuta. Nii ilmus film „Balkani erootiline epic“ - kunstiline uurimus ja traditsiooniliste rituaalide reprodutseerimine, milles osalesid naissoost ja meessoost organid. Näiteks vihma röövimise rituaal: kui mäestik ei peatunud mitu päeva, jooksid Balkani naised välja ja tõstsid oma seelikud, näidates taimedele genitaale. "Hirmutage jumalad tupe abil - kuidas nad seda lihtsalt mõtlesid?", Laughs Abramovich. Balkani kultuur on tema jaoks oluline, kuid Marina on pikka aega pidanud ennast koduta meheks: küsides, kus ta pärineb, vastab kunstnik tavaliselt, et sellist riiki enam ei ole. Abramovitš on võrdselt huvitatud Montenegro, Austraalia aborigeenide, indiaanlaste, Brasiilia meediumite rituaalidest - ilusast dokumentaalfilmist "Ristteel: Marina Abramovitš ja Brasiilia" on pühendatud tema esoteerilisele otsingule.

↑ Performance "Balkan Baroque"

Kuigi paljud Abramovitši tööd on seotud alastuse, kehalikkuse ja suhetega, keeldub ta oma kunstist "naiselikuks" või "feministiks". Ta usub, et kõik see - etiketid, mis devalveerivad kunstniku tööd. Sellegipoolest räägib Abramovitš oma ettekannetes ja intervjuus naiste väest: Balkani barokis püüab kunstnik püha rolli, pesemist verest ja lihatäidetest tohutut luud, 2012. aastal räägib ta kolme tuhande naise ja noortega. erakordne energiline seos ja õde. "Ma ei tahtnud kunagi olla meessoost keha," ütles Abramovitš intervjuus. "Mulle tundub, et naised on igal juhul tugevamad. Naise võime anda elu muudab tema üleloomulikuks ja ülejäänud ei ole oluline." Kunstnik keeldus tahtlikult emadusest: ta tunnistas hiljuti, et ta on teinud kolm aborti, sest lapse sünniks on tema töö "katastroof". Abramovitš ütleb, et nüüd on ta rahul oma üksinduse ja vabadusega, kuid mõnikord libiseb kibedus oma sõnadesse: „Oh, ärge muretsege, mu mehed lahkuvad, mu sõbrad lahkuvad, nad ei saa sellega hakkama, nad ei suuda sellega toime tulla, nad ei suuda seda intensiivsust toime tulla. see on talumatu. "

Võib-olla on kõige hämmastavam asi Marina Abramovitšis, kui uskumatu tugevus temas eksisteerib koos inimkonna, õrnuse ja haavatavusega. Intervjuus räägib ta sellest, kuidas ta hakkas psühhoanalüütikule minema, kuidas ta tahtis oma nina lapse murda, teha vanematele tasu plastilise kirurgia eest (ja lõpuks saada nina nagu Bridget Bardot), kuidas tema põlved värisevad enne oluliste sündmuste ("Kui Ma ei ole närvis, ma olen närvis, et ma ei ole närviline ").

Ta nõustub kinnitama oma peale elektroodid, kui see aitab teadlastel rohkem teada saada esitusloost ja peab ennast ebausklikuks - Abramovitš on haige ainult punastel pidžaamadel ja punastel lehtedel, sest ta usub, et see värv taastab elujõu. Ta suhtleb aastatuhandete ebajumalatega, James Franco ja Lady Gaga, armastab kulukaid riideid ja säilitab pikaajalise sõpruse Ricardo Tisciga, tegutseb Givenchy kampaaniates ja Antony & The Johnsons videod, püüab rääkida nalja kunstnike kohta, kes lülitavad lambipirni, peavad ennast inetu ja naerab oma emale, kes tõi välja kõik alasti fotod Marina näituste kataloogidest, „nii et see ei oleks häbiks naabritele näidata”. Ta hüüab - ja siis, Hiina suurel müüril ning oma retrospektiivi ajal MoMA-s, kui endine armuke tuleb vaatama oma silmadesse. "Kannatus ei tee sind nõrgaks. Kui tekib probleeme, kui teil tekib raskusi, on see hea asi," ütleb Abramovitš. "Ja kui sa seda kogu ellu jääda, siis muutub teie kunst ainult paremaks." Ja ta lisab: "Tavalises elus naljab palju, sest minu sees on nii palju draama. Kui ma ei ole naljakas, siis ma suren."

Fotod: MoMA, Marina Abramovići / Kunstnike Õiguste Selts (ARS), New Yorgi linn / VG Bild-Kunst, Bonn, Marina Abramovic Courtesy Gallery, New Yorgi Abramović ja Seani galerii